머리위의 새

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모택동의 혁명이 한편의 서사시였다고 평가하는 꿈꾸는 젊은 청춘들..

씨네21에서 퍼온 이미지들.

원제 Sex, Politics, Cinema

노장감독의 청춘영화라.
나이먹음은 곧 현실과의 타협이 꿈꾸기 보다 조금 더 쉽고, 가슴으로 들끓기 보다는 지혜로 무장한 이성으로 세상을 통찰할 수 있다는 것이 아닐까.
그러나 베룰로루치감독은 아직도 꿈꾸기와 현실인식에서 저울질하고, 대마초에 혼미할 수 있으며, 아름다운 육체를 지닌 자유로운 청춘을 그리워하는 듯했다.

1968년의 프랑스 남매와 미국청년.
세상의 부조리와 부당한 폭력에 대해 비판하지만 행동으로 옮기기보다는 부모님의 안전한 가옥과 돈으로 금기의 영역을 모호하게 줄다리기 하는 이란성 쌍둥이 매튜와 이사벨.
대학생이라는 특수신분덕분에 베트남전을 운좋게 피할 수 있었던 미국인 테오.
세명의 현실도피적 특수동거상황은 몇일간 이어진다. 영화와 현실에 대한 경계가 그들에게는 무의미해보인다. 그들에게 현실은 게임이고 영화의 재현이다.
하지만 그들의 유토피아는 부모님의 용돈과 함께 바닥난다. 해결방안은 부모에게 전화한통이면 이상무. 풋! 그걸 보면서 중얼거린다. “쳇! 꿈은 돈으로 유지되는 거였군”

순간, 그들이 아버지의 권력을 비판하고 행동하지 않는 양심을 들추려면 부모의 혜택으로부터 자신을 먼저 해방시키라고 소리쳐주고 싶었다.

재니스 조플린의 목소리는 영화에서 훌륭한 영화음악으로 쓰인다. 젊음의 자유정신과 비판의식을 상징적으로 드러내는 신나는 음악이었다. 재니스라니! 베루톨루치 아저씨 멋쩌요~

잼난 장면.
프랑스에서 첨으로 사귄 친구의 식사초대. 어색한 프랑스 가족과 마주한 식탁에서 가장인 아버지는 자신의 지식을 과시하고 있다. 약간의 지루함을 잊기위해 지포라이터를 만지작거리며 딴짓하다. 친구아버지에게 딱걸린 미국청년. 유명한 시인인 아버지는 화내기보다는 왜 그랬는지 논리적으로 설명하기를 유도한다. 여기서부터 지포라이터 철학이 탄생한다. 사소한 행동은 사고의 연상으로 인해 지포라이터 철학으로 전이되어 설명되고 아버지와 그의 가족들. 모두 할말을 읽고 감탄을 내뿜는다. 잼나는건 그들의 반응인데..부모앞에서 10대의 자식들이 식탁에서 담배를 꼬나물고 있는것도 신기할 일인데 ‘지포라이터’ 하나로 ‘사물의 동일성’을 끄집어내는 미국청년의 잼난 생각을 듣고도 미친놈 취급하지 않고 그의 특별하고 남다른 시선에 대해 감탄할 수 있는 프랑스가족의 문화적 감수성에 감동. 저건 난데...만약 내주변 사람들에게 내가 저런 얘길하면..엉뚱하다고 머리를 절래절래했을터인데..쩝..

거울 속에 비친 청춘의 자화상들. 셋은 하나처럼...그러나 각자 다른 사랑을..

쇼킹한 장면,
영화관에서 남녀의 성기가 적나라하게 노출된걸 보게되다니 내눈을 몹시 의심했었음.
어! 안개가 떠야할 상황인데 너무 또렷하니까 오히려 이상하다는 생각. 그 동안 안개상황에 넘 익숙해했던 내가 오히려 민망한..

'폭력으로 해결되는 건 없다'라는 테오는 시위에서 행동을 멈추고..

마지막 장면.

나체로 뒹굴며 자유롭던 그들. 부모세대에게 대한 예의인지, 사회적금기에 대한 윤리적 회개인지 모를 모호한 자살을 택했다 엉뚱하게 뛰어든 시위대의 돌에 잠을 깬 셋은 갑자기 프랑스학생시위대에 합류하는걸로 끝맺음하는데 베루톨루치는 세상을 바꾸려면 꿈꾸지만 말고 현실로 돌아와 화염병을 들라고 외치는 것 같았다.

오랜만에 익숙하게 봐오던 시위장면을 영화속 추억의 장면처럼 구경하다니...잼난 현실이었다.

두 가지 주제.
첫째, 프랑스

60,70년대 프랑스는 현실의 프랑스 도심의 뒷골목일 터인데 어둠으로 정체된 오래되고 낡은 무덤같은 느낌. 그랬다. 왜 그랬는진 좀더 생각해보아야 할 문제다.

둘째, 쌍둥이

한몸에서 분리된 두개의 육체와 하나의 영혼이라는 설정. 영화속 쌍둥이는 절대 타인을 사랑할 수 없을 것같다. 그들에겐 서로가 있을테니까...
다른 성격이나 다르지 않은 묘한 일체감을 주는 육체와 영혼.

가끔 궁금하다. 
 

>>사족

매튜를 연기하는 마이클 피트가 지미 핸드릭스의 "Hey Joe"를 직접 노래를 부른  뮤직비디오를 한번 감상해 보시라. 현재 이 친구는 구스 반 산트감독의 영화<라스트 데이즈 Last Days>에서 커트 코베인 역을 맡았다고 하는데...보컬의 수준도 예사롭지 않을 뿐더러 살아온 이력 또한 특이하다.

구스 반 산트의 <파인딩 포레스트>에서는 금발의 연약한 범생역이었는데 그때만 해도 그저그런 헐리웃의 꽃미남 배우로 보였었는데..뮤직비디오에서의 광기를 내뿜는 재능에서는 약간 오버해서 리버 피닉스를 연상케할 정도로 기대해 볼만한 배우가 아닐까 생각.

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♡ 이 글은 해미님의 <여자, 정혜> 극복 또는 치유되는 상처? 에 관련된 글입니다.

<여자, 정혜> 포스터_씨네21에서 이미지퍼옴

이번주에 보지 못하면 못볼 것같다는 불안감때문에(극장에서 간판을 내리는..)냅따 예맬했다. 결과는 흐믓함과 미소먹음으로 끝맺었다. 행복했다. 잘 만든 영화를 보는 감상자의 행복감을 영화감독이 줄 수 있다는 건 직업의 장점같다.

(선댄스영화제에서 감독과 관객과의 대화 막바지 한 관객이 이런 환호를 던졌다고 하는군.

“You did a great job!”)
꾸물거리다 늦어져 헐레벅떡 뛰어든 영화관안 스크린에는 벌써 그림들이 흐르고 있다.

여자, 정혜의 삶을 들여다 보다.

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여성학자 정희진씨의 임상수감독 영화<그때 그 사람들>읽기~

잼나는 글이라서 그냥 한번 긁어와 보았다.

<살인의 추억>의 봉준호 감독 (참 나... 놀구들 자빠졌네) 은 직업에 맞는 실랄한

감성적 글쓰기였다면 이 글은 여성학자로서의 시각이 잘 보여진다.

법원의 영화삭제명령에 대해 정희진씨만큼 명쾌하게 평가할 수 있을까 생각하며

찬찬히 다시 한번 읽어보련다.

아직 영화를 보지 못했는데...조만간에 보긴 해야겠지?

씨네21에서 이미지퍼옴

<그때 그 남자들>

정희진/서강대 강사
 

<그 때 그 사람들>을 보고 나서, 왜 박지만씨 진영이 이 영화에 분노하며 재판까지 벌였는지 이해하기 어려웠다. 박정희 역의 배우 송재호는 독재자 이미지와 거리가 멀다. 영화에서 박정희는 유머스럽고, 낭만적일 뿐 아니라 심지어 인자하기까지 하다. 아무리 봐도 “명예를 훼손한” 흔적이 없다. 이 영화가 보수 세력의 화를 부른 실제 이유는, “역사 왜곡”이나 “정치적 의도”가 아니라 ‘여자 문제’ 때문이라고 생각한다. 박정희의 ‘치적’이라는 경제 발전 주장은, “유신이 아니라 노동자, 농민이 이룬 것”이라고 쉽게 반박할 수 있다. 그래서 섹스 문제는 그를 평가하는 키워드가 된다. 사람들은 대통령의 섹스를 사적인 문제가 아니라, 권력의 정당성과 도덕성의 징표로 이해한다. 물론, ‘영웅은 호색이지만’, 그것은 들키지 않았을 때 얘기다. 남녀 간의 일대일 섹스를 원칙으로 하는 가족주의 규범이 강력한 한국사회에서, 최소 100여명의 여성이 대통령을 위해 대기하고 있었다는 역사는 사람들에게 역겨움을 주기에 충분하다.

‘악당을 죽인’ 김재규는 의인이나 영웅이 되지 못하고 다시 부하에게 잡혀 신문을 받는다. 자기가 죽인 상관과 똑같은 신세가 되는 것이다. 임상수 감독은 이 영화를 보수와 진보, 독재와 저항, 여야 대립 등 기존 남성 정치학을 뛰어 넘어, 남성 문화를 비판하는 영화로 만들었다. 이 영화에서 남성은 말하는 주체가 아니라 평가받는(조롱받는) 인식의 대상이다. 이런 점에서 보면, 박지만씨의 소송과 이에 동의하는 법원의 일부 장면 삭제 판결은, 보수 세력의 무지와 단견이 영화 예술의 가능성을 어떻게 제한하는지를 보여주는 역사적 사례로 남을 것 같다. 영화가 비판하는 것은, 박정희 체제만이 아니라 그보다 훨씬 더 포괄적인 남성 문화이기 때문이다.

‘그 때 그 사람들’은 한국사회를 거울 앞에 세우는 매우 성찰적이고 성숙한 영화다. 이 영화를 10·26 사태를 재현한 ‘정치 영화’로만 보면 ‘그 때 그 사람들’은 과거로 사라졌지만, 남성성을 문제시하는 ‘젠더(성별) 영화’로 지평을 확대한다면 지금도 계속되고 있는 당대의 텍스트다. 영화의 인물들은 ‘박정희 편’, ‘김재규 편’ 할 것 없이, 모두 쓸데없이 거칠고 요란스런 전투적 태도를 반복한다. 감독도 말했듯이, 이들은 “남자로서 한 몫 보려는 자들”로 “남자가 아니면 죽음을 달라”고 외친다. 영화에서 남자들은 ‘완벽한’ 의사소통을 한다. 여기서의 소통은 명령을 하고, 명령을 따르는 것이 전부이기 때문이다. 원래 이런 종류의 소통은 군대에서나 가능한 일이지만, 유신 파시즘은 사회 전체를 그렇게 만들었다. 영화 속 남자들은 죽음을 담보로 하는 상사의 허무맹랑한 명령을 저항 없이 따른다. 이러한 의사소통 체계에서, 사유하는 인간은 총살감이다. 박정희 정권이 실제로 그렇게 하지 않았던가.

한국 현대사에서 차지철이나 장세동 같은 인물은 일상적 파시즘과 구조적 파시즘의 연결 고리다. ‘대통령보다 힘센 경호실장’은 과거 청와대에만 있는 것이 아니다. 우리는 일상생활에서 ‘사장보다 무서운 수위’, ‘시어머니보다 더한 시누이’ 때문에 고통받고 분노한다. 말할 것도 없이, 차지철의 권력은 박정희로부터 나온다. 그렇다면, 박정희의 권력은? 그것은 신(God)으로 부터 나온다. 유신은 국민이 아니라 신을 대리했다. 그들은 “나는 하나님이 직접 만드셨고, 국민은 내 갈비뼈로 만들었다”고 생각했다. 현재 우리 사회 일각의 ‘박정희 향수’는, “제발, 갈비뼈에 불과한 우리를 화끈하게 지배해 주세요”라는 유아기로의 퇴행에 다름 아니다.

여성은 권력을 가진 남성의 동산(動産)에 불과하다는 믿음, 명령과 복종에 의한 ‘완벽한 의사소통’에의 갈망, 자신을 ‘신의 아들’이라고 생각하는 기득권층... 이거, 유신 시절만의 이야기일까. 이 영화에 대한 보수 세력의 불편한 심기는 자화상을 마주한 우리를 대변한 것인지도 모를 일이다.

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씨네21에서 이미지들 퍼옴.

Closer

감독 마이클 니콜스
주연 쥴리아 로버츠, 쥬드로, 나탈리 포트만, 클라이브 오웬

기운이 쏙 빠져서 영화관을 나왔다.
왜 그랬을까?

사랑에 대한 환상보다는 솔직한 사랑을 줄곧 세뇌시키듯 얘기하는 감독 마이클 니콜스때문인가? 남자들은 육체에 탐닉하고 정신적 사랑와 육체적 사랑중 육체적 관계를 좀더 우선시해 보이지만 그렇다고 정신적 사랑이 무시되는 건 또 아니고...여성은 자신보다 젊은 여성에게 남편을 빼앗기지만 성숙하지 못하다는 이유로 알리스보다는 키크고 유명한 사진작가인 안나에게 댄과 래리는 빠져들고..

안나의 사진전에 전시된 알리스의 사진. 전시장의 분위기가 예술이다.

높은 천장의 커다란 공간, 절묘하게 사용된 조명, 시멘트의 차갑고 낯선 느낌을 주는 바닥 인테리어..등..

Stranger.

낯선사람과의 사랑이야기들.

사랑은 정말 낯설어보인다.

사랑의 유효기간은 의학적으로 3년이다.

호르몬 작용이라는 거다.

하지만 (진실한) 사랑은 정말 어렵고도 오묘하다. 
 

내가 본 <클로저 _스포일러성 짙어요~

 

나이들어 점점더 배우로서의 안정감과 성숙한 여인으로의 매력을 발산하는 쥴리아~

 

오프라윈프리 쇼에 홍보차 불룩한 배를 안고 나온 쥴리아 로버츠는 이 영화가 사랑의 시작과 끝을 보여주는 사랑의 과정은 보여주지 않는 영화랬다.
원래 영화보기전 사전 지식없이 봐야 영화의 선입견과 신선함을 즐길수있는 지라 최대한 노력했지만 어쩌다 본 오프라쇼 때문에 영화보는 내내 쥴리아의 얘기가 머리속을 채우며 스토리를 짜맞추고 있었다. 이래서 사전정보는 해악인거이다. 헷!

 

이성(동성)의 사랑은 성적호기심으로만 충족되지 못하는 그 이상의 무엇이 필요하다는 교훈을 던져주는 듯하다. 하지만 사랑은 타이밍인 것이다(100%동의). 4년간의 애정은 남자의 불신과 집착으로 순간에 날라갈수도 있는 것이고, 동시에 여러명을 사랑할 수도 있는 것이 사랑이며, 육체적 호기심은 정신적 사랑으로도 발전 가능하며, 사랑은 노력이며, 사랑의 유무는 눈(또는 오감)으로 감지될 수 있는 것이며...

 

 

재밌는 캐릭터는 피부과 의사인 중산층 래리이다.
겉으로는 다정하며 품위있는 인상의, 번듯하며 권위적인 중산층 의사의 직업을 지니고 있지만 남들이 보지 않는 어두운 공간에서는 인터넷으로 변태적 성욕?을 과감히 드러내기도 한다. 맘이 떠나 이혼을 요구하는 아내 안나에게 바람핀 남자와의 성적관계를 집요하고도 집요하게 캐묻는 이중적인 성격의 그는 상대방의 심리를 절묘하게 역이용하여 결국 아내를 꽃미남 쥬드로로부터 다시 빼앗아버리고 쥬드로의 연인 알리스과의 관계도 청산시켜? 버리며 쥬드로에게 실연의 아픔을 멋지게 되돌려주며 복수한다.

 

 

알리스의 본명은 제인이다. 그러나 그녀는 4년을 동거하며 사랑한 댄에게 진실을 밝히지 않고 떠난다. 알리스와 댄은 진실이 말로 드러나면서 관계가 끝난다. 그녀의 과거가 무엇이었건간에 때론 추악한 진실보다 애정어린 거짓이 사랑에 유효할때가? 있다는 역설을 보여주는 중요한 설정이었다. 예를들면 기혼자의 바람은 상대방이 모르면 한때의 바람으로 지나가나

상대방이 바람을 피운 진실을 알게되면 그때부터 복잡해지는거...몰겠다..진짜 어렵자나..

세가지를 생각할 수 있다.
첫째, 섹스장면은 하나도 없는데 대사와 분위기만(배우의 표정과 옷, 행위, 공간, 텍스트 등)으로도 영화가 더 에로틱할 수 있다는 거. 이건 감독의 천재적 능력이다라고 생각.

둘째, 칭얼거리며 우는 남자는 정말 아니다라는거.
감성적인 남성의 눈물은 아름다울수 있지만 자신의 이기심을 위해 패배의 억울함으로 표현되는 울음은 정말 보기 어려웠다. 쥬드로가 래리에게 찾아가 안나를 놓아달라며 칭얼대는 눈물은 아무리 꽃미남 쥬드로이지만 아닌거다. ㅎㅎ

셋째, 나탈리 포트만의 연기가 참 좋았다는거.
남친의 애정이 자신이 아닌 낯선 여자 안나에게 향하고 있다는 진실을 알게 된 순간 그녀는 눈물을 흘린다. 그 순간을 눈치챈 사진작가 안나는 카메라를 들이대고 아름다운 예술로 변질?시켜 버린다. 안나의 사진전에서 래리가 알리스에게 질문한다. 진실을 얘기해보라고...
“누군가의 슬픔을 가져다 아름다운 예술로 만드는건 사기다. 이 전시는 사기로 가득찼다. 하지만 사람들은 이 사기를 좋아한다.” (대사는 정확하게 옮기지 못하겠지만 이런 류의 대사들이었다)

예술은 순간의 아름다움을 포착하여 보는이에 따라, 상황에 따라 여러가지 해석이 가능하지만 진실은 그게 아닐 수도 있다는 마이클 니콜스의 예술관을 엿볼 수 있는 장면인거다.
그런데 사랑도 그렇다고 얘기한다.

 

머리가 어지러운건 도무지 사랑은 머리로 해석되지 않는거다라는거..에고고..

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까~~악~~

<은하철도999>가 투니버스에서 매주 화요일 새벽1시에 상영되고 있다.

까먹지 않으면 놓치지 않고 보려하는데 잼나는건 투니버스 공식사이트에서 이 만화의

주연령층을 10대이하로 정해놓고 있다는 거.

그런데 나두 초등학교때 즐겨보았던 유일한? 오락꺼리 아니었던가? ㅋㅋ

새벽1시라는 시간 배치는 성인층 올드팬을 위한 서비스인 듯하다.

무조건 넘 좋다^^

지금보면 어린이들이 이해하기에는 어려운 측면이 많아 보인다.

존재에 대한 철학적 접근이나 사회구조에 대한 비판적인 상징과 스토리...

어릴땐 왜 그리 좋았을까를 생각해보면 별게 없다.

익숙하고 친근한 그림의 철이캐릭터와 많이 봐오던 기차가 우주를 날라다니는게 넘 신기했

고 메텔이 닮고 싶을만큼 넘 우아한 여성이었다는거..

향수를 자극하고 예술적 측면에서 새롭게 요리조리 분석하며 보는 맛.

이건 정말 기쁘기 그지 없는 일이다^^

참! 엔딩곡 (근데 링크만으로도 저작권위법에 걸리나?)으로는 패닉출신의 김진표(교육부

장관 아닌건 다 아시죠^^;;)가 요즘세대가 좋아할만한 랩으로 featuring한게

아주 인상적이다. (시원한 보컬은 BMK~)

 <은하철도 999>의 공식 홈피는 요기다~

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감독 : 나이트 샤말란

주연 : 와킨 피닉스, 윌리엄 허트,브라이스 달라스 하워드

친구의 평

"나이트 샤밀란은 공포에 대한 일관된 관심을 드러내는데 <식스센스>에서는 전형적인 공포에, <언브레이커블>은 미국인의 영웅 또는 초인적 인간에 대한 대중정서를, <싸인>은 초자연적인 또는 외계인에 대한 관념을, <빌리지>는 이데올로기에 대한 비판적 인식을 다루면서 미국인의 공포를 다양한 주제를 통해 보여주고 있는 것 같다"...라고...

샤말란식의 영화에 별로 관심이 없었던 이유는 일반적인 "공포"에 대한 인식때문이었다.

영화장르중 호러물, 공포물, 전쟁영화는 즐겨 보지 않는다. 심지어는 싫어하기도 한다.

이유는 단순하다. 무서워서...여러가지 방식의 감정이입을 좋아하는 감성의 소유자?로서 전쟁과 호러적 공포물은 거부반응부터 이는 편이다.

하지만

<빌리지>는 "사랑"에 관한 영화이다.

순수한 사랑.

인간의 순수함은 어디에서 오는 걸까?

사말란은 이데올로기라고 생각하는 듯하다.

외부세계와 단절되어 공동체마을을 이루며 '숲의 괴물'에 대한 공포로 외부와의 차단효과를 노리며 끊임없는 세뇌교육을 통해 공동체의 고리를 이어가는 그들.

괴물은 공동체마을의 어른(지도자)들이 만들어낸 "의도된 공포"일 뿐이다. 하지만 어릴때부터 선생님으로부터 부모로부터 존경하는 어른들의 교육에 의해 숲에는 괴물이 살며, 괴물과의 평화로운 관계는 공동의 약속을 통해 유지되어져야 된다고 배운다.

공동의 약속이란 숲에의 접근자체를 차단하는 만들어진 지어진 스토리(이데올로기)에 불과하다. 하지만 철저히 교육되어진 공포란 본능적인 공포 이상의 힘을 발휘한다.

우리는 어떻게 교육되어진 걸까? 교육, 언론, 부모 등등의 것들로 우린 무엇을 배웠던가?

붉은색은 "불길한 색"이다.

마당에 핀 잡초인 붉은 꽃을 보자말자 꺾어 땅에 묻어버리는 장면은 정말인상적이다.

이데올로기는 일상을 지배하는 강한 힘을 지닌 것이다.

우리의 레드컴플렉스를 연상하게 하는 불길한 색깔에 대한 마을 사람들의 집단적 공포는 이데올로기를 드러내는 상징적 코드이다.

마을의 어른들이 공동체를 이룬 것은 "순수함"을 지키기 위함이라고 한다.

샤말란의 자본주의에 대한 비판의식이 드러나는 부분이다.

자본주의는 소비되어지는 것에 착취되어지는 것에 익숙해지면서 인간성을 자연스럽게 잃어간다. 인간에 대한 순수한 마음은 다른 이데올로기, 다른 세계안에서 가능하다는 것을 <빌리지>는 보여주고 있다. 물론 공동체 마을의 전체주의성과 획일성은 스스로의 선택에 의한 것이 아니고 세뇌되어진 교육에 의해 유지되는 세계에 대한 비판으로 보이기도 하다.

씨네21에서 퍼옴

인상적인 장면. 두번이나 보면서 감동한 장면이 있는데..

말없이 과묵한 루시에게 아이비의 언니가 청혼하지만 그는 아무말이 없다.

아이비의 언니는 언제 사랑을 했었냐는 듯이 다른 남자와 결혼한다.

아이비는 언니를 위해 숨겨두었던 감정을 루시에게 자연스럽게 드러낸다.

이 과묵남 루시는 어떠한 반응도 없다. 그러나 어느날 새벽.

아이비는 곤히 자다 일어나 마당으로 나간다.

거기에는 루시가 앉아있다. 차가운 날씨임에도 불구하고 왜 이렇게 우리집 마당에 있는거냐라는 질문에 루시는 아무말도 하지 않는다.

아이비는 춤을 춘다면 너와 추고 싶다라며 자신의 자연스런 감정을 드러내지만 루시가 반응이 없자 이렇게 얘기한다. "왜 나를 좋아한다고 말하지 않나요?"

루시는 잠시...

"좋아한다는 말을 하면 달라지는 것이 무어냐? 내가 가장 무서운 건 너의 안전이다. 너의 안전이 궁금해 여기 앉아 있는 것이다"라고...

오마이갓!

루시는 마을의 어떤 청년보다도 용감하다.

숲의 괴물을 두려워하지 않고 외부세계에 대한 호기심에 사로잡혀 있다.

마을의 청년중 숲의 가장 중심에 다가간 최고의 기록도 가지고 있다.

그에게 공포는 다른 것이 아니다.

"사랑하는 사람의 안전"인 것이다.

어떠한 수사적 화려한 미사여구보다 아이비의 손을 잡고 이끄는 루시의 손은 순수한 사랑을 표현하기에 가장 적합하고 아름다운 행위였다는 거.

순수한 사랑.

그것은 어떤 공포에도 우선한다는 것이 샤말란의 생각인가보다.

사족1

여러가지 분석과 해석이 가능하겠지만 너무 길어지므로...오늘은 이만~

마지막 결론은 싱겁게 끝나버리지만...

친구와의 결론 " 샤말란은 뒷심이 부족해~"

작년 미국의 뉴스위크에서 worst영화로 <빌리지>가 1위의 영예를 안았다고 하나 오해의 평가라고 생각.

최근 본 영화중 가장 인상적인 알레고리적 상징으로 만든 잼난 영화라는 갠적 평가~

사족2

브라이스 달라스 하워드는 론 하워드의 딸인데 그녀의 시각장애인 연기가 아주 인상적이다.

그리고 루시역의 와킨 피닉스는 그닥 닮지 않았지만 my lover 리버 피닉스의 친동생이다~

<피아니스트>로 아카데미 남우주연상을 수상한 에드리안 브로디가 연기같지 않은 뇌성마비연기로 또한번의 배우로서의 능력을 과시한다.

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☆ 이 글은 자일리톨님의 [룩앳미 - 아네스 자우이(2004)] 에 관련된 글입니다.

Look at me

감독 : 아네스 자우이 

(이미지는 모두 맥스무비에서 퍼옴)

롤리타
실비아
애티엔느
피에르
카린
세바스티앙

인간관계로 권력의 속성을 드러내다(스포일러성 농후함)|쬐금 길죠^^;;

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델마와 루이스.

그녀들의 일상탈출, 그녀들만의 여행은 죽음의 여행이 되어버린다.
평범한 그녀들이 절박하게 죽음의 벼랑끝에 서야하는 이유는 무엇일까?

폭력적이고 가부장적인 남편.
여성을 인간이 아닌 섹스도구로만 생각하는 강간남들.
착한여자 등쳐먹는 섹시한 사기범(브래드 피트 나옴).
여성을 성노리개로만 여기는 트럭운전사.
그녀들을 궁지로 내모는 FBI.
모두가 공범이다.

약자로서의 여성이 자기방어를 위한 최소한의 행위는 범죄자가 되는 것이고,

그녀들을 옥죄는 사회에 대항하여 선택가능한 마지막 출구는 죽음뿐이다.

두손 맞잡고 자신이 선택한 행위와 결과를 후회하지 않으며 활짝 웃을 수 있는

동지애를 확인하는 그녀들은 저 높은 곳을 향해 달려간다.

영화 속 장면 중 가장 인상적인 부분.

어슴프레 어둠이 깔린 저녁,

스카프를 휘날릴 만큼 시원한 바람을 맞으며 그랜드캐년을 오픈카로 달리는 장면.

라디오음악의 볼륨을 높이고

목청껏 소리치며 따라 부르는데...순간 저 밑바닥의 찌꺼기까지 갈가리 해소되며

가슴 뻥 뚫리는 기분.

자연과 하나가 되는 기분이 그런게 아닐까?

달리고프다~

감독 리들리 스컷

주연 수잔 서랜든, 지나데이비스

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시위현장에서 수갑이 채워진 채 끌려가는 붓다.

그는 외친다. "나에겐 말할 권리가 있다!"

<계속된다>

감독 주현숙

외로움으로부터 시작하다

감독의 아버지로부터 들은 사우디에서의 이주경험 “외롭다”는 하나의 감정에서부터 이주노동자에게 다가가는 <계속된다>는 프로파간다로서의 영화를 만들었다는 감독의 말이 자칫 즉각적으로 와 닿지 않는다. 이유는 일반적으로 봐온 빠른 속도감의 전투적이고 쎈 듯한 노동영화와는 다른, 사람의 감정에 다가가는 영화이기 때문이다.
하지만 광의의 프로파간다는 선전의 목적이 있지만 형식상의 다양함을 통해 궁극적으로는 인간의 감정을 움직이는데 있지 않을까 하는 생각에 미치면 이건 그야말로 감독의 의도가 제대로 담긴 다큐가 되는데 이른다.

두 개의 인상적인 장면

가장 인상적인 화면은 두개였다.
첫째, 방글라데시에서의 인터뷰.
저멀리 밝게 고층의 건물이 보이는데 상대적으로 더 어둡게 느껴지는 오른편의 실내에서는 뭔가 희뜻희뜻한 움직임만이 보인다. 소리가 없다면 자칫 잘못 찍은 촬영장면이었을 터이다. 하지만 이 대조적인 시각효과는 인터뷰대상자의 감정을 드러내기에 아주 적절한 표현기법이라는 생각에 미치게 되고 그래서 결과적으로는 좋은 화면구성이라는 평가를 내릴 수 있게 된다.
주변친구들은 이해하지 못하겠지만 자신의 나라에 있기보다는 한국에 더 가길 희망한다는 인터뷰어.

그는 일자리가 없이 놀고만 있게 되는 지금의 상황이 싫은 거고, 어딜 가든 일만 할 수 있다면 그곳이 좋다는 거다. 일하고 싶지만 일할 수 없는 상황. 가족을 먹여살리기 위해 일해야 하는 그에게 조국의 의미보다는 생존이 우선할 수밖에 없는거다.

둘째, 마지막 구출버스 장면.
시위현장에서 어이없이 끌려가는 이주노동자들을 한명한명 보호하는 차원에서 버스를 대절해 그들을 구출하듯이 어렵게 데려가는 장면이었는데 보면서 시의 적절한 촬영에 감동하며 여성의 힘으로 밀리고 밀리는 상황에서 제대로 잘 찍었구나 모 그런 생각이었다. 하지만 놀랍게도 이 촬영은 이주노동자의 작품이었던 것이다.(그런데.. 그럼에도 불구하고 "굽다"가 버스에서 보이지 않는다)

그 장면을 마지막으로 채택한 감독의 의도는 무엇이었을까?
감독과의 대화중 이런 질문이 있었다. “그래서? 그래서 뭘 어떻게 하자는 건지요?”
모..아주 공격적인 질문일 수 있는데 주현숙 감독 아주 재치있고 훌륭한 답변으로 이어졌다. 그러면서 감독은 마지막 장면에서 설명이 더 필요하지 않을까하고 혼자말하듯 얘기한다.
내 생각은 “그걸로 족하다!"이다.

<계속된다>의 선전방식은 구호를 외치고 구체적인 대안을 던져주는 것이 아니라 오늘의 한국인들이 바라보는 이주노동자에 대한 시선을 바꾸고 그들이 이주노동운동의 주체가 되는 것을 인식하는 것, 그리고 그들이 지금 그걸 현실화시켜 만들고 있다는 처절한 과정을 담담하게 보여주는 것. 그러면서 같이 살아갈 수 있는 방법을 우리도 생각하고 그들도 찾아나가야 한다는 것. 구체적인 방법은 이제 우리가 찾아야 한다는 것을 가슴으로 느끼게 만드는 다큐.

그러니 설명은 괜찮아! 라는 것...

버스앞의 길을 겹겹으로 보호하고 이주노동자에게는 그 길을 튼뒤 어렵게 어렵게 그들을 버스안으로 거칠게 잡아당기는 행위는 왠지 전세계적으로는 찾아보기 힘든 한국에서만 존재하는 인권의 개념은 보이지않는 반인간적 이주 노동자정책, 이주노동자시스템(고용허가제 EPS)으로 고통받는 그들을 심정적으로 이해하고 싶다는 그래서 그들에겐 투쟁에 대한 감정을, 우리에겐 이해의 감정을 끌어내고 싶다는 의미가 상징적으로 보여지는 장면이었다. 특히 느린 속도감의 편집과 단백한 음악은 감정적으로 치우침이 없이 담담하게 그들의 현실을 보는 것같아 감동적이었고 그래서 분노하게 만들었다.

그들의 소리에 귀기울이게 되다

샤말의 말처럼 이주노동자들은 컴퓨터, 자동차안의 부품을 만드는 우리산업의 근간인 3D업종에서 노동을 한다. 실업자 100만이지만 우리가 기피하는 일들, 더럽다고, 월급적다고, 폼 나지 않아서 라고 하지 않는 일들을 그들이 하고 있다. 그들은 노동자일 뿐이다.
그들에겐 말할 권리가 있고 부당함에 대한 표현의 자유가 있음에도 불구하고 억지로 입막임 당하고 비인간적인 처우를 당하며 강제 출국당한다. 왜?
처음 와서 배워야만하는 단어가 “개새끼”라니?
왜 그들을 사람으로 대하지 않고 때리고 임금체불에, 심지어 강제로 그들의 국가로 떠미는가?

명동성당내 농성장의 그들은 뿔뿔이 흩어졌지만 어디선가 이주노동조합을 만들고 정당한 권리쟁취를 소리높여 외칠 것이다.

그들의 소리에 귀기울이게 만드는 영화.<계속된다>

그들의 권리찾기는 계속될 것이다.

그들의 생존투쟁은 계속될 것이다.

그리고 우리의 관심도 계속될 것이다.

그래서 바뀌어야 한다.

개인적인 생각, 미술
다큐가 주는 거칠거나 미완성된 느낌의 테크닉보다는 밤촬영을 의도적으로 썼는지 모르겠지만 화면이 회화적이면서 느린속도감의 편집방식은 감독이 말하는 “분노”라는 감정을 절제하게 만들며 차분하고 냉정하게 현실을 받아들이게 하는 힘이 느껴진다.
또한 몇 개의 카테고리로 내용을 나누면서 영상을 이어가다 정지하며 그 위에 텍스트를 얹는 방식. 익숙한 방식이긴 하나 신선하게 와닿는 이유는 적절한 그림의 화면캡쳐, 그 위에 어울리게 올라간 폰트들...

그런면에서 <계속된다> 다큐는 한국 독립다큐의 기술적 한계(자막의 미숙함, 6mm 필름이 주는 화면분위기의 가벼움)를 살짝 한단계 끌어올리고 있다는 평가를 주고 싶다.

미술이 보이는 다큐라고 할까? 흐흠…

주 감독!
좋았어! 아주아주~~

>>사족
주 감독한테 이뿌게 보여서 다큐의 비법전수를 쟁취해내고 싶다는거... 흐흐흐...
글고 주감독에게 받은 초대권5장. 서독제 어떤 영화도 볼수 있는 행운의 티켓.
고마워~ 지아장커영화를 볼 수 있으면 좋으련만~
 

본문

<영원과 하루>
감독 테오 앙겔로플로스

이미지는 씨네21에서 퍼옴.

영원한 하루, 내일

철학적 제목에서부터 감독의 영화이력까지..어려운 영화로 생각되어 잠시 주춤하다.. 결국엔 보게 되다.
테오 앙겔로플로스 영화스타일은 영화의 내용을 이해하기가 익숙하지 않고 그래서 보기도 꺼려진다. 영화의 배경인 그리스의 역사적맥락을 이해하지 못해서인지 연극적 요소가 가미된 영화형식이 익숙하지 않은건지 잘 모르겠다. 타르코프스키와 앙겔로플로스 영화는 기피대상이었다.
최근엔 영화 취향이 많이 선회하다.
이것저것 가리지 않고 보려고 노력중이고 그러다보니 취향도 변하게 되나보다. 좋다. 그만큼 다양한 시각을 수용할 수 있는 정서적 여유가 가능해지고 그러다보면 세상을 포용하는 시야까지 더불어 넓어지는 기분이다. 나이드는건 이래서 좋다.
각설하고(스포일러성 짙음ㅠ_ㅠ 내용을 알아도 별 문제될만한 영화는 아닐듯하지만)...

영원한 하루는 내일이다.
하지만 그에게 내일은 없다.

고국의 시어가 그에겐 없다.
그는 외롭다.
사랑하는 이가 그리운거다.

중산층으로 평안하게 잘사는 듯한 딸, 하지만 그녀와의 대화는 마주보며 얘기하지만 서로 다른 주제를 얘기하며 어설프게 엇갈리기만 한다. 요양원에서는 자식도 알아보지 못하는 노모가 어릴적 그를 부르듯 “알렉산더~알렉산더~” 다정하기만 하시다.
그만의 상상속에서 아직도 살아숨쉬는 그의 부인. 그는 그녀가 그립다.
그녀가 원할때는 가까이에 있어주지 못하고 외국의 시어들을 찾아 떠돌기만 했었기에 더더욱 그녀가 그리운 건지도 모른다. 더 애틋한지도 모른다.
하지만 그녀는 그의 곁에 없다.

그러다 길거리에서 소년을 만나다.
군인들에게 모든걸 빼앗긴 알바니아 소년, 소년은 갈곳이 없고 그는 내일이면 여행을 떠나야 한다. 소년과의 여행이 시작되고 그들의 여정은 우정으로 맺어진다.
소년에겐 아이의 앳됨은 보이나 현실의 처절함과 잔혹함을 일찍 알게 된 탓인지 그의 외로움을 따뜻한 마음으로 보듬어주고 이해하는 어른스러움이 있다. 결국 그에게 고국의 시어를 찾아주는건 소년이다.

작은 꽃 (코르풀라무 korfulamu)
이방인 (제니티스 xenitis)
시간이 다 되었다 (아르가티니 argathini)

소년이 찾아준 시어다.
외국을 여행하며 시어를 찾았지만 정작 자신의 나라 언어는 찾지 못했던 노령의 시인.
그는 죽음을 눈앞에 두고서야 살뜻이 돌보지 못한 가족의 사랑이 보이고, 조국의 시어를 찾지못한 자책감에 휩싸인다. 하지만 아이러니하게도 그의 가족들은 끊임없이 그를 돌봐주었고 사랑으로 조용히 지켜보았다. 청년들은 그의 시어로 한 시대를 살아갔다고 존경의 눈빛을 보낸다. 그리고 소년에게서 고국의 시어를 되찾았다.

가장 인상적인 장면은 버스정류장의 이름과 승객들의 행위이다.
‘고전역’에서 타는 시인(이름은 까먹었다)과의 조우, 시뻘건 깃발을 휘날리며 씩씩하게 타는 젊은 과격파 청년(그렇게 보인다..그런데 왜인지 모르지만 나중에는 잠자고 있더라), 다투는 연인, 클래식을 연주하는 악사들...
버스에서의 그들과 만남은 무엇을 의미하는지 와닿지 않았다. 현실적이지 않아서 생소했고 읽히지 않아서 어색했던….그래서 앙겔로플로스의 영화는 아직 어렵게 와닿는거..
시어를 찾는 시인에게 철학적이고 역사적 사건들을 연극적 형식으로 나열하는 것 같았지만..모 알수엄따…키노라는 잡지가 발간되었다면 그나마 도움이 되었겠지만 이런 영화를 분석하고 뜯어보기를 하는 잡지는 없는듯...쩝...

그에게 소년은 '작은 꽃'이 아니었을까?

작지만 커다란 사랑과 아름답게 향기를 품은 꽃이 되어준 소년때문에 그는 행복을 느끼지 않았을까? 

영원과 같은 하루동안의 소년과의 여정.
그는 외롭지 않았고 잃었던 고국의 시어를 찾았다.

>>사족
나의 내일은 아니지만 노년은 어떤 기분일까?

사회적 성공도 부도 인간의 외로움 앞에서는 부질없는 것.
가족보다는 가까이 숨쉬는 걸 함께 느끼는 사랑하는 이가 존재한다는 것 이상의 것은 없다모 이런건지... 어른들 말씀...효자열보다 악처하나가 낫다...모 이런건가..몰지..
결론이 이상하다 어째?

씨네21기사_영화 속 시인의 초상과 시어